Cinco exhibiciones de Electronic en el Design Museum que recuerdan la alegría de la música en vivo

Vía https://www.dezeen.com

 
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Publicado el 8 de agosto de 2020

Cinco exhibiciones de Electronic en el Design Museum que recuerdan la alegría de la música en vivo

El Museo del Diseño de Londres ha reabierto sus puertas con una exposición que describe la evolución de la música electrónica y su relación simbiótica con el diseño. La curadora Gemma Curtin comparte cinco exhibiciones imperdibles de la feria.

Después de un lanzamiento ligeramente retrasado debido a la pandemia de Covid-19, la exposición Electronic: from Kraftwerk to the Chemical Brothers estará abierta hasta el 14 de febrero de 2021.

Se ha adaptado de un espectáculo que debutó originalmente en el Museo de Música de la Filarmónica de París el año pasado y se modificó para presentar un mayor enfoque en la cultura rave del Reino Unido, además de resaltar cómo el diseño y la música electrónica pueden unirse para crear experiencias más impactantes que cualquiera podría por separado.

"Debido a que es tan abstracto, la música electrónica necesita colaborar con el diseño para presentarse al mundo", dijo Curtain.

"Y los diseñadores disfrutan trabajar con DJs porque les dan la libertad de responder a su música de diferentes maneras. Ya sea a través de fundas de vinilo, la interfaz de un sintetizador Roland o audiovisuales en vivo (audiovisuales) increíblemente técnicos y complejos, la exhibición es muy sobre contar esa historia no contada de la conexión entre el diseño y la música ".

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Esto se logra con la ayuda de una banda sonora curada y mezclada por el DJ francés Laurent Garnier, así como 400 exhibiciones repartidas en cuatro secciones Man and Woman Machine, Dancefloor, Mix and Remix y Utopian Dreams and Ideals.

Estos exploran el género a través de la tecnología a través de la cual está hecho, la cultura de club que lo rodea, la práctica de pinchar en sí y finalmente sus implicaciones sociales y políticas.

"Es un amplio pincel a través del género para mostrar su impacto cultural y todos estos elementos creativos satelitales que trabajan con la música y la convierten en algo más", dijo Curtain.

"También se trata de mostrar todos estos talentos creativos que trabajan en este campo. Por supuesto, esta industria masiva que apoya a tantos medios de vida está en suspenso en este momento. Pero espero que la exposición les dé a las personas la oportunidad de sentir y recordar y, con suerte, en última instancia, para asegurarse de que esto no se pierda ".

A continuación, Curtain comparte cinco diseños de la exposición que muestran la sinergia entre los dos campos en su máxima expresión.

Electrónica: de Kraftwerk a los Chemical Brothers en el Design Museum

Electrónica: de Kraftwerk a los Chemical Brothers en el Design Museum

El visitante de Yuri Suzuki y Jeff Mills

Jeff Mills es un DJ que estuvo allí, en Detroit, en el nacimiento de la música techno. Es un genio, dicen algunas personas. Y solía tocar en esta caja de ritmos Roland TR-909 de los años 80.

Estaba realmente maltratado, lo había usado tantas veces. Pero en realidad sus botones son bastante delgados, las diapositivas están bastante juntas. Y su velocidad al mezclar es tal, que quería una nueva interfaz para usarla.

Trabajó con Yuri Suzuki, el socio de Pentagram, artista de sonido y diseñador de productos, para tomar los componentes electrónicos de su Roland y colocarlos en este escritorio brillante, parecido a una nave espacial. Suzuki usó botones de juego, que dispuso en círculo porque Mills sintió que esta sería una configuración mucho más efectiva para él.

Las piernas son una referencia a una fotografía de Los Angeles Times de la década de 1940, de estos reflectores vagando por el cielo sobre la ciudad. Buscaban bombarderos pero existía la leyenda urbana de que en realidad encontraron un OVNI. Suzuki utilizó las imágenes de estos reflectores como referencia para las patas dinámicas de esta máquina, para crear un producto adecuado para la presentación y el rendimiento.

Electrónica: de Kraftwerk a los Chemical Brothers en el Design Museum

Electrónica: de Kraftwerk a los Chemical Brothers en el Design Museum

El álbum Collapse de Aphex Twin de Weirdcore

Nos pusimos en contacto con Weirdcore porque queríamos mostrar cómo creó la identidad visual para el álbum Collapse de su colaborador [músico inglés] Aphex Twin desde hace mucho tiempo. El proceso de diseño de Weirdcore implica esencialmente el uso de software digital para crear estas imágenes muy intensas y casi perturbadoras que él describe como ver a través de los ojos de un androide alucinante.

Para intentar mostrar el proceso detrás de eso, creamos una instalación de varias pantallas diferentes. Uno muestra algunas imágenes en bruto iniciales que tomó de Cornwall, que es de donde es Aphex Twin, y luego otro muestra cómo manipuló estas imágenes para desmoronarse y deconstruirse. Puedes ver cómo usa los datos de sonido, los latidos por minuto para guiar las imágenes.

También vemos el video final, que pasó a informar la presentación en vivo y los materiales promocionales en torno a eso. Es un buen ejemplo de cómo el diseño no es solo el álbum. También es el video, es el audiovisual en vivo (AV) son todo tipo de cosas, que ahora forman parte de la presentación de la música.

Electrónica: de Kraftwerk a los Chemical Brothers en el Design Museum

Electrónica: de Kraftwerk a los Chemical Brothers en el Design Museum

Diseños de Hacienda Club por Ben Kelly y Peter Saville

Tony Wilson, uno de los fundadores de Factory Records, abrió el club Haienda en una vieja sala de exhibición de yates en el centro de Manchester en 1982.

Este fue realmente el comienzo de los súper clubes en el Reino Unido y fueron personas como Wilson quienes realmente comenzaron a invertir en diseño. Consiguió que Peter Saville hiciera el diseño gráfico y Ben Kelly hizo el interior.

Ya no es un antiguo salón de iglesia o sótano en un polideportivo con algunas luces, son interiores diseñados. Kelly usó bolardos y otros elementos que normalmente se ven en el ámbito público y este lenguaje visual se convirtió en un elemento realmente identificativo para el club. La exposición presenta un letrero de neón que colgaba sobre la barra y una réplica de una de las columnas.

Haienda tenía un enfoque muy hábil y profesional de sus gráficos e identidad, donde antes todo eran folletos fotocopiados o dibujados a mano. Y esto pasó a influir en otros grandes clubes que ayudaron a regenerar el interior de las ciudades. La Hacienda hizo mucho por Manchester, al igual que Gatecrasher en Sheffield o Cream en Liverpool.

Electrónica: de Kraftwerk a los Chemical Brothers en el Design Museum

Electrónica: de Kraftwerk a los Chemical Brothers en el Design Museum

Core por 1024 Architecture

Uno de los elementos clave de la exposición es su banda sonora, que presenta mezclas que abarcan la historia de la música electrónica. Así que hay una mezcla de Detroit, una de Chicago, una alemana. Y en medio de la exposición hay una instalación de 1024 arquitectos llamada Core que responde al sonido.

Consiste en 24,000 luces LED y 81 de estas barras LED increíblemente altas de tres metros. La instalación ofrece otra interpretación de la música a través de medios visuales y brinda a los visitantes un momento de pausa en la exposición donde realmente pueden disfrutar de la banda sonora.

Una de las características únicas de la música electrónica es que generalmente es de 120 latidos por minuto. Eso es realmente lo que lo distingue de otras músicas porque no depende de la velocidad del baterista. Y ver la música visualmente te hace pensar en este ritmo de una manera muy inmersiva.

Electrónica: de Kraftwerk a los Chemical Brothers en el Design Museum

Electrónica: de Kraftwerk a los Chemical Brothers en el Design Museum

Instalación de Got To Keep On de Smith & Lyall

Muchas veces, el diseño digital se utiliza para presentar música electrónica. Pero con Adam Smith y Marcus Lyle, los directores creativos de Chemical Brothers, su trabajo en realidad se basa en el cine. Así que su práctica involucra a este enorme equipo de creativos que incluye artistas en vivo, coreógrafos, diseñadores de vestuario e iluminación.

Les pedimos que crearan una experiencia para los visitantes al salir de la exposición y el resultado es una instalación basada en la canción Got To Keep On.

Hay una enorme pantalla del piso al techo que muestra un video de bailarines vestidos con estos increíbles atuendos, enormes y de color rosa brillante casi como Teletubbies. Hay efectos de luz y neblina que te hace sentir como si estuvieras inmerso en una actuación en directo.

Para todos los que lo han experimentado, el contraste entre estar atrapado en casa durante Covid y entrar en esta habitación es bastante extremo. Es este visceral recordatorio de nuestros sentidos.

No son solo imágenes, es el ritmo que vibra a través de tu cuerpo. Descomponemos todos los detalles a lo largo de la exposición, pero la realidad es que cuando estás allí, simplemente lo sientes.




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