Publicado el 12 de noviembre de 2021
Dibujar en el estilo Tintín, o estilo Ligne Claire, es algo en lo que el dibujante de cómics Igor Wolski se especializa. El artista escribe y dibuja, lo que significa que cuando se sienta a componer un panel o una obra de arte en este estilo 'Tintín', siempre tiene una idea en su cabeza. Dicho esto, trabajará a través de su concepto en bocetos a medida que avanza.
Para este tutorial, Wolski está usando Photoshop y compartirá las herramientas, las características y el flujo de trabajo que está utilizando. Si eres nuevo en Photoshop, echa un vistazo a nuestros extensos 68 brillantes tutoriales de Photoshop para probar la función, o simplemente descarga Photoshop gratis y está experimentando.
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Dibujar en este estilo requiere mucha planificación. "Al abarrotar la información en un fotograma, tienes que pensar en cómo los ojos de los espectadores van a viajar a través de él, qué va a estallar y qué se va a esconder sutilmente en el fondo", dice Wolski. "Cada elemento puede ser solo decoración, pero también puede ser una pieza de información para que el espectador la recoja".
Puede seguir el video o desplazarse hacia abajo para leer el proceso paso a paso de Wolski en detalle.
01. Comience con un boceto en miniatura
Cuando se trata de crear piezas más grandes, la planificación adecuada es clave. Una vez que tengo la idea, empiezo a hacer una lluvia de ideas con bocetos súper rápidos, solo para encontrar la composición inicial y el punto de vista para rebotar; estos son muy ásperos y a menudo ilegibles para un espectador. Es casi como si estuviera escribiendo en mi propio idioma secreto.
02. Desarrollar el concepto
Después de encontrar la composición aproximada, la coloco en la parte inferior de la pila de capas en una opacidad baja y empiezo a agregar detalles sobre ella. Aquí planifico la posición de los personajes y objetos. También puse todo en forma de espiral, desde la esquina inferior izquierda hasta el personaje en el medio.
03. Desarrollar la narración en la escena
Creo que la historia en una ilustración se cuenta a través de las expresiones y líneas de visión de sus figuras, así que compruebo dónde están mirando los personajes principales y secundarios. Nuestro héroe se ha colado en un evento y ha sido descubierto, por lo que mientras mira al observador, todos los demás lo miran.
04. Usa la perspectiva de 5 puntos
Dibujo líneas de perspectiva basadas en mi boceto. Empiezo por identificar el horizonte y luego averiguar dónde está el centro de mi composición. A partir de ahí agrego las líneas verticales y horizontales, estimando dónde deberían estar mirando mi boceto. Tenga en cuenta que no tiene que ser muy preciso.
05. Utilizar modelos y referencias
Trato de usar referencias tanto como puedo, para ayudar a expandir mi biblioteca visual. Para las personas, simplemente busco en línea lo que necesito o tomo un video de mí o de mi familia. Para la ropa, la arquitectura u otros objetos me gusta incluir hallazgos accidentales en línea, lo que asegura que algo inesperado termine en mi arte.
06. Termina el boceto
Ahora termino todos los detalles. Me gusta que mis dibujos parezcan muy desordenados, así que trato de nunca pensar en una sola cosa como un objeto independiente, sino más bien como grandes grupos de muchos objetos. Por lo general, logro esto al tener siempre a mis personajes y elementos colocados en múltiples niveles, a menudo sentados o apilados uno encima del otro.
07. Imprime el boceto
Debido a que todavía me gusta hacer una gran parte de mi trabajo tradicionalmente, en este punto imprimo el boceto terminado en papel en un color azul muy claro. Llevar a cabo esta etapa en papel no me da ninguna ventaja sobre hacerlo digitalmente, es solo mi preferencia personal.
08. Entinta el arte de línea
Para el arte de línea, utilizo bolígrafos de tinta negra Uni PIN Fine Line, que varían en tamaño de 0.05 a 1.0 mm. La única regla que sigo aquí es que cuanto más cerca esté el objeto del espectador, más gruesa será la línea. Si cometo algún error, corríjalo más adelante en Photoshop; Me gusta escribir pequeñas notas en el costado del papel para recordarme a mí mismo.
09. Volver a Photoshop
Escaneo la imagen a una alta resolución (generalmente 600 ppp) como un mapa de bits en blanco y negro. Esto crea un arte de línea negro duro y puro sin ningún anti-aliasing. Puede parecer áspero, pero le da a la imagen una sensación única y arenosa. A continuación, corrija cualquier error que haya cometido en papel, siguiendo mis notas.
10. Establece el arte de la línea y el color
Lo último que hago antes de colorear es dividir las líneas que quiero colorear de las negras que deseo dejar intactas. Esto significa todo en el fondo, cualquier fuente de luz o patrón, o cualquier cosa que se beneficiaría de una línea más suave. Selecciono las líneas que quiero separar y las pongo en diferentes capas.
11. Agrupa los colores
Para ver si la paleta de colores inicial que tengo en mi cabeza funciona, divido la imagen en grandes grupos de colores, en función de su posición y papel en la ilustración. A pesar de que cambio muchas de las ideas iniciales a lo largo del proceso de coloración, esto ayuda mucho a mejorar la claridad de toda la pieza.
12. Aplicar los colores planos
Encontrar los colores adecuados siempre es un desafío. Utilizo principalmente colores planos y simples sin degradados ni texturas, para equilibrar la naturaleza compleja del arte de línea. Especialmente con piezas abarrotadas como esta, trato de mantener todo en una paleta de colores similar y reservar cualquier color contrastante para los personajes principales u objetos clave de interés.
13. Añade las sombras
Creo las sombras como un color plano sobre una capa semitransparente, sin ninguna forma de mezcla de colores especial. El mejor color para el sombreado suele ser el color en el lado opuesto de la rueda de colores, pero como no siempre es tan fácil, a veces tengo que probar un montón de opciones para ver qué funciona mejor.
14. Haz los toques finales
¡Casi allí! En este punto, miro a través de la imagen y pienso en qué más podría beneficiarse de los ajustes de última hora. Esto puede incluir cualquier efecto especial, algunos parches de luz o sombras más profundas. Después de esto, me gusta dejar la pieza para la noche para mirarla una vez más al día siguiente con ojos frescos, ¡y listo!
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