Clara Cornish de Aardman dice que algunos aspectos de su trabajo están "más allá del alcance de la IA"
Vía https://www.creativebloq.com
Vía https://www.creativebloq.com
Publicado el 28 de octubre de 2024
Clara Cornish tiene experiencia en animación 2D, trabajando en Aardman Animation en películas como Shaun the Sheep Movie: Farmageddon y Chicken Run: Dawn of the Nugget (lee nuestro artículo sobre una década de Aardman). También es una popular tutora de guiones gráficos en Escape Studios, donde transmite su conocimiento de la industria.
No pudimos resistirnos cuando se nos ofreció la oportunidad de conocer la actualidad de la industria, así como transmitir algunos consejos a cualquier artista que quisiera iniciarse en la animación.
A continuación le pregunto a Clara sobre su proceso creativo y cómo Aardman Animations mantiene su estilo único, así como cómo ha evolucionado la industria de la animación stop-motion a lo largo de los años y le pregunto sobre las predicciones de cómo la IA y otras tecnologías podrían afectar a la industria.
Es fascinante ver cómo se está desarrollando esta forma de arte, ya sea la misma tecnología y procesos cinematográficos que se utilizan en videojuegos como Harold Halibut o en el especial de aniversario de Over the Garden Wall de Aarman. Lee a continuación las ideas de Clara.
¿Cuál es su proceso típico para hacer un guión gráfico de una película o corto de Aardman? ¿Cómo se aborda la traducción del guión en un lenguaje visual?
Clara Cornish: Normalmente comienzo con un informe de los directores, que me da una explicación detallada de cómo prevén que se desarrollará una escena. Esto es mucho más detallado que el guión, señalando las acciones de los personajes, los gags y más que deben incluirse dentro de una escena.
Una vez que haya revisado esto en detalle, crearé una miniatura aproximada de la escena, esbozada en papel. Esto me permite trazar qué tomas usaré de manera clara, para poder enviárselas a los Directores para su aprobación. Una vez que hayan revisado y confirmado que están de acuerdo con el diseño, crearé un guión gráfico mucho más detallado digitalmente.
Finalmente, estos guiones gráficos se envían al equipo de edición para que los añada a un animatic o carrete, ¡lo que ayudará a dar vida al producto final!
¿Cómo es el intercambio creativo entre usted y los Directores?
CC: Por supuesto, hay un montón de preguntas durante el proceso, ¡es parte de hacer que la magia suceda después de todo! Después del resumen, normalmente haré preguntas sobre los detalles de la escena para asegurarme de capturar exactamente lo que están buscando. Las preguntas nuevas tienden a surgir a medida que trabajo en el guión gráfico, ya que puedo obtener una visión más centrada de cada toma.
Dependiendo del informe, los directores pueden ser muy específicos sobre lo que quieren ver y cómo debería desarrollarse, pero a veces es mucho más abierto a mi interpretación personal. Una vez que hayamos completado la primera pasada del guión gráfico, me enviarán correcciones y solicitudes de ajustes a medida que se desarrolle la película. Esto nos ayuda a adaptar el tono, el flujo y el tiempo de lo que ocurre en las tablas para que se ajuste a la naturaleza cambiante de la película. Normalmente hay muchas rondas de correcciones antes de que se complete el guión gráfico, por lo que ser capaz de adaptarse es una parte importante del rol.
¿Cómo se asegura de que el estilo característico de Aardman aparezca o se mantenga en los guiones gráficos? ¿Existen ángulos de cámara clave, transiciones, etc. que hagan que un Aardman funcione?
CC: Curiosamente, el estilo Aardmans es bastante reservado. Rara vez usamos imágenes dramáticas o ángulos de cámara locos casualmente, tendemos a guardarlos para momentos importantes para que tengan un mayor impacto cuando es su momento de brillar. La simplicidad es nuestra firma, ya que realmente ayuda a que el humor aterrice y permite que los momentos más importantes se destaquen más.
El estilo distintivo de Aardman viene a través de sus actuaciones de humor y personajes, que mantenemos lo más matizadas posible, evitando depender demasiado de actuaciones obvias o genéricas para que cada papel en la película se destaque.
Reflejamos todo esto en los guiones gráficos, ya que es importante que sean muy representativos de lo que los espectadores pueden esperar en la versión final de la película.
¿Cuáles son los desafíos a los que se enfrenta el guion gráfico de una animación stop-motion en comparación con la animación 2D o 3D/CGI?
CC: Mi experiencia principal a lo largo de mi carrera ha sido en la animación stop-motion, en lugar de 2D o 3D, por lo que es difícil comparar y contrastar. Sin embargo, el stopmotion crea un conjunto muy singular de consideraciones que debemos tener en cuenta, como la limitación de los conjuntos y los movimientos de la cámara. Las cámaras requieren especialmente un aparejo especializado, lo que significa que se debe considerar mucho más cómo funcionará en el set.
Más allá de esto, es sorprendente cuánto trabajo se dedica a los efectos más pequeños que es posible que no notes tanto cuando trabajas con diferentes medios. La forma en que los efectos del agua y el clima se integran en una escena es significativamente más complicada y requiere mucho trabajo para hacerlo bien.
¿Cómo han ayudado (u obstaculizado) los avances en tecnología, software y procesos al storyboarding?
CC: Realmente no he estado en la industria el tiempo suficiente para ver una gran diferencia en cómo se hacen las cosas, pero sé de artistas de guiones gráficos en otras compañías que han utilizado una amplia variedad de tecnología para ayudar en la creación de contenido. Otros incluso han integrado herramientas de realidad virtual en el proceso. Para mí, hasta ahora me he apegado a lo básico, como Photoshop y Storyboard Pro, que son muy útiles en mi trabajo diario.
Dado el tiempo que puede llevar la animación stop-motion, ¿es el storyboard aún más importante y cuán detallado debe ser?
CC: Por supuesto, un guión gráfico detallado siempre es importante, no solo para el stop-motion, sino para la animación en general. Ser capaz de averiguar cómo se ven, se mueven y se unen las cosas es una parte importante de la creación de una producción eficiente, los guiones gráficos también ayudan a las producciones a ajustarse a un presupuesto. Cuanto más sepas sobre el proceso creativo de antemano, más control tendrás sobre la producción en su conjunto. Al final, de eso se tratan los guiones gráficos, dando a los equipos un plan que necesitan para tomar decisiones importantes.
El nivel de detalle en el guión gráfico para la animación stop-motion es muy similar a la animación CG. En ambos casos, las ilustraciones no necesitan ser ordenadas o demasiado refinadas, sino que tienen que precisar las decisiones de la historia, el ritmo y la continuidad. En ambos ejemplos, son muy animados y transmiten una gran cantidad de movimiento que son señales esenciales para los directores.
A medida que surgen nuevas tecnologías, ¿hacia dónde ve el futuro de la animación y la animación stop-motion? ¿Ves surgir más técnicas híbridas?
CC: Personalmente, creo que la industria de la animación ya está adoptando técnicas híbridas y experimentando con una serie de enfoques diferentes para ampliar los límites del cine y la televisión para sus audiencias.
Hay muchos ejemplos de estudios que han realizado este cambio con éxito, especialmente Laika y Aardman, que introducen elementos CG en su trabajo para lograr tomas imposibles o para agilizar la producción cuando sea necesario.
Estoy seguro de que esta tendencia continuará, ya que al utilizar un enfoque híbrido de forma creativa, realmente puede abrir lo que es posible en la animación, creando algo inesperado y emocionante.
¿Cómo afectará la IA al storyboarding? ¿Es algo que te preocupa?
CC: No me consideraría un experto en el campo, pero personalmente me resulta muy difícil imaginar que la IA reemplazaría efectivamente a los guiones gráficos. La IA no demuestra la capacidad de generación de ideas o resolución creativa de problemas, sino que se basa más en reformatear los datos existentes. Sin un pensamiento original y la capacidad de adaptarse a los problemas, la IA no puede satisfacer las necesidades muy específicas que satisfacen los guionistas.
La IA puede generar activos, pero el storyboard no se trata de imágenes bonitas. Se trata de elegir tomas, hacer que el ritmo fluya, hacer actuaciones atractivas de los personajes y, en última instancia, crear una emoción para la audiencia, que está más allá del alcance de la IA.
Dicho esto, existe la posibilidad de que la IA pueda ayudar a los creativos y ayudar a acelerar el proceso de creación de guiones gráficos si las herramientas se utilizan como soporte creativo. Al ayudar a eliminar procesos repetitivos como añadir tono a las imágenes u organizar archivos, en un escenario ideal esto podría permitir más tiempo para centrarse en la creación real de guiones gráficos.
En términos más generales, ¿hay algún beneficio para la IA en la animación, que es un proceso que consume mucho tiempo?
CC: Personalmente, creo que hay formas en que la IA podría usarse para mejorar la creación de animación, pero lo efectiva que es dentro de esta tarea se reduce en gran medida a la creatividad de quienes realmente la usan. Como se mencionó, hay muchas actividades y tareas para los creativos que no necesariamente requieren un toque humano. Esto podría ser corregir las costuras donde la boca se conecta a la cara en los títeres stop motion, o colorear los marcos de la animación dibujada a mano, como ejemplos.
Cuanto más tiempo permita la automatización que los equipos dediquen a los elementos creativos de sus roles, mejor. Hacerlo también podría ayudar a la animación a reducir los costos, lo que idealmente llevaría a que se produjeran más en general y aumentaría las oportunidades para aquellos que buscan una carrera en el entretenimiento. Sin embargo, esto está por verse.
¿Qué consejo le darías a los nuevos artistas y animadores, y en particular a alguien que quiere ser artista de guiones gráficos?
CC: Sé que todos dicen esto, pero realmente creo que lo más importante es tener una habilidad de dibujo fundacional realmente sólida. La anatomía, la perspectiva, la composición y más son elementos centrales que te ayudarán a lo largo de toda tu carrera. No tiene que ser aburrido, solo asegúrate de extraer de la vida todo lo que puedas, ya que esto tendrá un gran impacto en tu producción.
La actitud es igualmente importante. Tu cartera hará que te contraten, pero tu actitud y la forma en que te comportes te darán muchas más oportunidades en el futuro, como ser recontratado para nuevos proyectos o ser comprado para oportunidades más grandes. La pasión, la fiabilidad, el seguimiento de la dirección y el manejo de las críticas son partes realmente importantes del trabajo. Cuanto más muestres esto, mejores serán tus prospectos.
Sin embargo, es igualmente importante valorarse a sí mismo como persona, no solo como artista. También debes asegurarte de desarrollar un buen equilibrio entre el trabajo y la vida personal. Date descansos regulares y asegúrate de tener suficiente tiempo para ti fuera del trabajo para que siempre puedas dar lo mejor de ti cuando estés en el reloj. Es muy fácil dejar que el trabajo se haga cargo, lo que puede provocar agotamiento si no se tiene cuidado. Sé que personalmente no pensé que fuera importante mantener el equilibrio, pero con el tiempo aprendí lo esencial que es esto.
¿Hay algún consejo en particular para la animación stop-motion que pueda transmitir?
CC: Es útil practicar guiones gráficos con limitaciones, como sin movimientos de cámara o sin diálogo, ya que esto desarrollaría habilidades creativas de resolución de problemas que son esenciales para trabajar en la industria del stop motion.
¿Qué habilidades, cualidades o experiencia necesitan los jóvenes artistas para trabajar en estudios como Aardman, y qué habilidades o cualidades deberían centrarse en desarrollar?
CC: Como se mencionó, las habilidades fundamentales de dibujo son muy importantes, centrándose en la anatomía, la composición, la perspectiva y el tono. Pero cuando se trata de storyboard, necesitarás una comprensión de la actuación, el trabajo de cámara y el ritmo de la historia para asegurarte de que puedas transmitir esto a tu obra de arte. Además de esto, deberá ser capaz de dibujar de forma rápida y clara, con la capacidad de simplificar su trabajo para aumentar su eficiencia.
Una buena práctica es intentar realizar estudios de guiones gráficos de una amplia variedad de películas, no solo ejemplos animados. Esto te ayudará a prepararte para cualquier cosa cuando se trata de storyboarding y evitará que restrinjas tus habilidades en tu entrenamiento.
Practique trabajar con el resumen de alguien e implementar la retroalimentación, ya que una gran parte del trabajo es comprender e interpretar las ideas y la visión de alguien. También es bueno desarrollar tu propia voz creativa trabajando en tus propios proyectos de storyboard para descubrir en qué tipo de narración eres bueno.
¿Te encanta leer más sobre animación? A continuación, vea nuestro tutorial sobre cómo convertir sus ilustraciones en animación stop-motion y lea nuestra guía sobre el mejor software de animación 2D para lo que están utilizando los profesionales.
Recibe el boletín de Creative Bloq
Noticias diarias de diseño, reseñas, instrucciones y más, según lo elijan los editores.